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（※邦訳準備中）

Symphony No. 8 is in three distinct movements, bur the musical layout suggests a single large-scale panoramic vista.

I began the composition process for this symphony with meditation, and was shown scenes of widespread devastation. But this music is not about the surface of our world problems. It is a response to a much deeper vital creative flow which is forcefully at work, and which will carry us through our age of crisis. This music is a celebration of life. It is about new life, continuity from the past to the future, great hope, great faith, joy, ecstatic vision, and fierce determination.

The old is continually present in the new. The first movement touches the "Gloria" from my Mass: "Glory to God in the highest," whatever that may mean to you: the power of the universe made manifest to us and through us.

The second movement is a large fantasia on the old Lutheran chorale melody Jesu meine Freude (Jesus My Joy). The life of Christ is one powerful image of the high creative: being willing to be broken to receive the new; giving oneself up entirely so that a new idea can be born. The old form of the organ chorale prelude underlies this movement - new language out of the old.

The third movement is a music of praise and gratitude for all that is. It can be traced to the very end of the favorite old hymn tune All Creatures of Our God and King - the part with the joyous descending major scale where all the bells ring out. I recently used this tune for a set of variations in a piece called Unending Stream of Life, a name which could also be a fitting subtitle for this new symphony.

Program notes by David Maslanka.

交響曲第3番は、コネチカット大学ウインド・アンサンブル（指揮：ゲイリー・グリーン）の委嘱により作曲されました。彼らには大きな作品の作曲を依頼されましたが、必ずしも本作ほど大規模である必要はありませんでした。なぜある特定の時期に特定の楽曲が生まれるのかを説明するのは難しいものです。私の作曲人生には「道標」となるような作品、つまり予測不可能ながらも比較的規則的な間隔で出現する大作がいくつかあります。本作の着想のきっかけの一つは、1年前に大学での教員生活を終え、ニューヨーク市からモンタナ州西部のロッキー山脈へと移住したことでした。山々と空がまるで生きているかのような存在感を放っているこの地には、動物や先住民族の精霊が今もなお強く響き渡り、これらの要素が私の音楽にも反映されたのです。

交響曲第3番の作曲を支援してくれたゲイリー・グリーン氏とコネチカット大学に深く感謝します。特に近年私の作品を熱心に支持してくれているゲイリーがこの新作の制作に強い情熱を寄せてくれたことに心から感謝しています。彼の素晴らしい熱意は、特別な形で創作過程に刺激を与えてくれました。

交響曲第3番は5楽章構成となっており、演奏時間は約45分です。第1楽章は中庸なテンポで奏され、私が好む楽曲構成の１つで作られています。それはこれ以上ない程シンプルな音階素材から始まり、楽章の最初から最後まで途切れることのない安定した旋律線を展開するということです。この楽章はソナタ形式で緊密に織り込まれた構造を持ち、バロック音楽のような雰囲気を醸し出します。楽章の大部分は力強く、断固とした性格で展開しますが、最後は静かに終わります。

第2楽章の多くの部分は小編成の楽器編成による穏やかで美しい「自然」の音楽です。私は持続する純粋な音色の持つ神秘的な性質に魅了されています。音楽的な響きとは、色彩豊かであると同時に構造的でもあります。持続音を通して聴き手を深い瞑想へと誘い、同時に楽曲の構造へと導いてくれるような音楽が私は好きなのです。時間と永遠が力強く融合し、互いに影響を与え合い、照らし合います。

第3楽章は激しく躍動感あふれる速い楽章で、最初から最後まで強いエネルギーを維持しています。この楽章もソナタ形式で書かれており、展開部はフーガとなり力強さを増しながら壮大なクライマックスへと向かいます。音楽は主にイ短調で統一されていて、第1主題と第2主題がイ短調、第3主題はニ長調ですが提示部はイ短調で終わります。展開部も再現部も同様に主調で始まり、主調で終わるのですが、この揺るがない調性構成は、もはや覆すことができなかったため、そのままにしておくしかありませんでした。１つの調性への固執は、荒々しいまでの力強さというこの楽章の特徴を際立たせています。

第4楽章と第5楽章はどちらも哀歌ですが、特に遅いわけでも、陰鬱な雰囲気でもありません。同じ空間と時間の中に相反するものが存在することを言葉で表現するのは難しいものです。音楽には喜びと悲しみが入り混じり、生と死がお互いを補い合うという性質を捉えています。この２つの楽章のみならず、この交響曲全体は、私が感じた自然の力、特にここモンタナに存在する古来からの生命の力強い流れから生まれたものです。この音楽は地球の生命と人間との直接的な繋がりが失われたことへの嘆きであると同時に、そうした価値が今もなお存在し、再び意味のある形で捉え直すことが可能であることの確認でもあります。

第4楽章は分類できるような伝統的な形式には当てはまりません。音楽はまるで山間の草原を歩き、丘を越えていくように、歌のようなエピソードを次々と展開します。その過程では息を呑むほど美しい自然の風景が現れ、そして消えていきます。この楽章を3分の2ほど進んだあたりには「黄金の光」の歌が現れます。

第5楽章は「夏の日の歌」とでも呼ぶべきでしょうか。嘆きの要素も存在しますが、創造的な風が吹き上がり、自然の美しさと生命力に満ちた恍惚とさせる風景をもたらします。この楽章は、嘆きが静かな喜びの歌へと変容して終わります。

マスランカ記す

Symphony No. 3 was commissioned by the University of Connecticut Wind Ensemble, Gary Green, conductor. I was asked to write a "major" pice yet not necessarily one as big as this. It is hard to say why a given music emerges at a given time. In my composing life there have been "sign-post" pieces - large works that have erupted at fairly regular, though unpredictable, intervals. The impetus for this piece was in part my leaving university life a year ago and moving from New York City to the Rocky Mountains of western Montana. The mountains and the sky are a living presence. Animal and Indian spirits still echo strongly in this land, and these elements have found their way into my music.

I am very grateful to Gary Green and the University of Connecticut for sponsoring the composition of Symphony No. 3. I am especially thankful to Gary for his ardent championing of my work in recent years, and for his avid interest in the development of this new piece. His wonderful enthusiasm has sparked the creative process in a special way.

Symphony No. 3 is in five movements and runs approximately 45 minutes. The first movement is in a moderate tempo and follows one of my favorite schemes. It starts with the simplest of scale materials and evolves a steady, unbroken line from start to finish. It is in sonata form, tightly woven in character, giving it something of a Baroque feel. The movement is forceful and unrelenting for most of its duration, but ends quietly.

The second movement is a serene and beautiful "nature" music, mostly for small combinations of instruments. I am intrigued with the magical quality of sustained pure colors. Musical sound is colorful and structural at t he same time. I love a music that allows the listener to develop an intense reverie through sustained sounds, while at the same time being carried through the structure of the piece. Time and timelessness join in a powerful way, each informing and illuminating the other.

The third is a fierce and bristling fast movement that maintains its high energy from start to finish. It is also in sonata form. The development section is a fugue which rises in power to a huge climax area. The music is fixed largely in the tonality of A minor: the first and second themes are in A minor, a third theme is in D, but the exposition ends in A minor. The development begins and ends in the home key, as does the recapitulation. This unmoving tonal scheme emerged and would not be derailed, so I had to let it happen. The tonal fixation seems to underline the character of fierce power.

The fourth and fifth movements are both lamentations, though not particularly slow or "down" in spirit. It is hard to describe opposites existing in the same space and time. The music is joyous yet sorrowful, recognizing the complementary nature of life and death. These movements - indeed the entire Symphony - have grown out of my perceptions of natural forces, especially the strong currents of old life that exist here in Montana. The music is a lamentation for the loss of the old direct contact with the life of the Earth, yet a recognition that these value still exist and can be brought back into meaningful focus.

The fourth movement does not have an easily-labeled traditional form. The music moves through a series of song-like episodes, much as one might move through mountain meadows and across hills, natural vistas of great beauty appearing and dissolving as one goes. About two-thirds of the way through is the song of the "Golden Light"

The fifth movement might be called "Song for a Summer Day." The character of lament is there, but the creative winds rise and bring an ecstatic vision of natural beauty and life force. The movement ends with the lament transformed into a song of quiet joy.

Program notes by David Maslanka.

J.S.バッハによる《371の四声コラール集》は、私にとって学びと瞑想の中心となる存在です。このコラール集は、すべての音楽理論初心者が対位法と和声進行の手本とすべき作品です。私がこのコラールに初めて触れたのはオバーリン音楽院の1年生だった1961年のことですが、10年ほど前から作曲への準備としてこのコラールを歌ったり演奏したりすることを日課とするようになりました。以来、これらのコラールは私にとって深い泉であり、また夢の空間への入口となったのです。それは目立たない建物の何気ない扉を開けた瞬間、突然全く別の世界へと連れていかれるような感覚です。コラールは、異世界への不 思議な扉なのです。

長年にわたる作曲活動の中で、私は「喪失」「悲しみ」「変容」といったテーマに強く引き寄せられてきました。これらは私自身にとって個人的な問題であると同時に、それ以上に深い何かに触れているとも常に感じてきました。民族音楽には大きな力がありますが、私はバッハのコラールも民族の伝統の一部と考えています。なぜなら、民族音楽と同じように、聴き手に衝撃を与える旋律が何世代もの人々の知性、心、魂を育み、個人の経験を超えた存在となっているからです。そうした旋律は、人間のあらゆる経験の重みを背負い、最も深い繋がりへの道を開いてくれるのです。

1975年、ラテン語典礼文によるミサ曲を作曲したいというアイデアが浮かびました。しかし、それを実現するには、個人的にも音楽的にも20年近い時間をかけて成熟する必要がありました。そして、ようやく1994年から1995年にかけてそのミサ曲を完成させました。私はカトリック信者ではなく、熱心なキリスト教徒というわけでもありませんが、ミサのテキストは、まるで灯台の光のように私を導いてくれました。その光は、時間をかけて深く取り組み自分の内側を整理することでしか、この作品を書き上げることはできないということを予告していたのです。今振り返ってみると、1994年以前に作曲した作品の多くはこのミサ曲への前奏曲であり、それ以降の作品の多くは、そのミサ曲をめぐる考察のようにも思えます。

交響曲第5番もその例外ではありません。この作品は、よく知られた3つのコラール旋律を中心に構成されています。第1楽章ではDurch Adams Fall《アダムの堕落によりて》¹、第2楽章ではO Lamm Gottes, Unschuldig《おお神の子羊、罪無くして》²、そして第3・第4楽章ではChrist lag in Todesbanden《キリストは死の縄目につながれたり》³が用いられています。第3楽章は「キリストの埋葬」というテーマによる瞑想であり、第4楽章は《キリストは死の縄目につながれたり》の旋律を用いた壮大な幻想曲となっています。この交響曲の大部分には、切迫感や強い主張が込められており「苛立ち」「怒り」「圧倒的」といった言葉で形容されることもあります。しかし、そのような激しさがありながらもこの作品は決して悲劇的ではありません。そこには明るく、希望に満ちたエネルギーが溢れています。この音楽はミサの物語を描写しようとするものではなく、「変容」というテーマを一貫して語るものとなっています。涙が力へと変わること、そして死に対する生命の勝利を表現しているのです。

マスランカ記す

The 371 Four-Part Chorales by J.S. Bach have come a focal point for meh study and meditation. These Chorales are the models for counterpoint and harmonic movement used by every beginning music theory student. I had my first encounter with them as a freshman at the Oberlin Conservatory in 1961. Ten years ago I returned to singing and playing them as a daily warm-up for my composing time. Since then the Chorales have become a deep well for me, a huge access to dream space. The feeling is one of opening an unmarked door in a nondescript building, and being suddenly thrust into a different world. The Chorales are this mysterious door to other worlds.

In the many years of my composing, I have been drawn as if magnetically to the themes of loss, grief, and transformation, They have been person issues for me, but all along the way have toughed something deeper as well. Folk music is powerful - and I include the Chorales in the Folk tradition - because the same melodic impulse, touched and shaped by generations of minds, hearts, and souls, moves beyond individual experience. Such melodies bear the weight of all human experience, and open a path for the deepest of all connections.

In 1975 I had the idea to compose a Mass using the texts of the Latin Ordinary. It took nearly 20 years of personal and musical development to feel ready to do this, and the Mass was composed in 1994-95. I am not a Catholic, nor even a practicing Christian, yet the Mass text was like a beacon, forecasting a long working-out process that would allow me to be clear enough to actually write the piece. From my current perspective it appears that much of my work prior to 1994 was a prelude to the Mass, and the pieces since, largely a reflection on the Mass.

Symphony No. 5 is no exception. It has been composed around three well-known Chorale melodies: "Durch Adams Fall" (Through Adam's Fall) in the first movement, "O Lamm Gottes, Unshuldig" (O Lamb of God, Without Blame) in the second, and "Christ Lag in Todesbanden" (Christ Lay in the Bonds of Death) in the third and fourth. The third is a meditation on the theme of "Christ entombed", and the fourth is a full-blown fantasia on the "Christ Lag" melody. Much of the music of this Symphony is urgent and insistent. Have used the words "aggravated", "angry", and "overwhelming" by way of description. But for all its blunt and assertive force, the Symphony is not tragic. It is filled with a bright and hopeful energy. The music does not try to illustrate the story of the Mass, but rather continually speaks to the theme of transformation - the transformation of tears into power, and the victory of life over death.

Program notes by David Maslanka.

交響曲第9番は多くの器楽曲の集合体で巨大な作品です。この交響曲は様々なことの影響を受けており、表層に現れない要素も複数存在しますが、その多くは言葉で説明することができません。言語化を試みる代わりに、この曲に含まれる要素を列挙してみます。

時間：記憶、時間の流れ、W.S.マーウィンの詩より「We flew through the years hearing them rush under us」
水：浄化と生命を与える力、「まもなくかなたの」、「クジラの物語」
自然：大地、川、海、シジュウカラ
恩寵： 思いやり、許し、安息

この交響曲は、W.S.マーウィンによる詩「秘密（Secrets）」の朗読から始まります。

（詩略）

各楽章には、コラールの旋律や他の歌曲が1つまたは複数含まれており、第4楽章では、私自身の「クジラの物語」（おお、血と涙にまみれた御頭よ）の朗読があります。

各楽章に含まれているのは:

• 第１楽章　「まもなくかなたの」
  　　　　　「われ汝に感謝す、神よ」†
• 第２楽章　「全ては汝のもとに」†
• 第３楽章　「われ汝に感謝す、神よ」†による幻想曲
• 第４楽章　「おお、血と涙にまみれた御頭よ」†による幻想曲
  　　　　　「まもなくかなたの」
  　　　　　「ともに夜を見つめて」
  　　　　　「魂よ、いかなれば我をかく悩ます」†
  　　　　　「クジラの物語」（おお、血と涙にまみれた御頭よ）

なぜ神は人間の姿でのみ顕現してきたのでしょう？（クジラについての短い物語）

約6000万年もの間、陸と海の両方に大いなるクジラたちが存在してきました。その間に数多く、いや無数の偉大な存在が彼らの中に現れました。 実は全ての偉大なクジラたちは高い境地に達した菩薩や仏陀なのです。 地球上の海は仏の浄土であり、あなたがこの生から旅立った後は神、または偉大なクジラとして再生することが望ましいのです。 また、地球上の浄土である海は全宇宙・全時代にわたって仏を育む修行の場であるともされています。 偉大なクジラたちは私たちを愛し、生と死の波に穏やかに乗りながら、私たちが悟りに至るためにその命を捧げるでしょう。

• 　　　　　「おお、血と涙にまみれた御頭よ」†

マスランカ記す

Symphony No. 9 is a large collection of instrumental songs. There are many influences and underlying elements, but most of them cannot be explained in words. Rather than try, I will simply list some of the things at work:

Time: memory, passing of time, "We flew through the years hearing them rush under us" --W.S Merwin
Water: cleansing and life-giving power, Shall We Gather at the River, Whale Story
Nature: our ground, river, ocean, chickadees
Grace: compassion, forgiveness, rest

The Symphony begins with a reading of the poem "Secrets"* by W.S. Merwin.

（詩略）

Each movement embodies one or more chorale melodies or other songs. In the fourth movement, There is a reading of my own Whale Story (O Sacred Head Now Wounded).

1. Shall We Gather at the River
   I Thank You God for All Your Good Works †
2. Now All Lies Under Thee †
3. Fantasia on I Thank You God... †
4. Fantasia on O Sacred Head Now Wounded †
   Shall We Gather at the River
   Watch the Night With Me (fl., tpt, harp, pno.)
   Soul, How Have You Become So Unhappy † (fl., tpt, sax., harp, pno.)
   Whale Story (O Sacred Head Now Wounded)

Why should God have incarnated only in human form? (A brief story about whales)

In the sixty million years or so the great whales have had, both on land and in the oceans, there have been numerous, and in fact, innumerable great beings among them. In fact, it turns out that all the great whales are either highly developed bodhisattvas or Buddhas. And in fact, it turns out that the Earth's oceans are a Buddha Pure Land, and when you pass from this existence it is to be hoped for rebirth as a god or a great whale. In fact, it turns out that the Pure Land oceans of the Earth are a training ground for Buddhas across all space and time. We are loved by the great whales, and they, serenely riding the waves of birth and death, will die for us so that we may come to our enlightenment.

The end.

1. O Sacred Head Now Wounded † (cl., sax., harp, pno., perc.)

Program notes by David Maslanka.

吹奏楽のために私が書いた7つの交響曲の最初の作品が第2番であり、その初演からほぼ30年が経ちました。時を経て、私は自分の作品の中心には変容という主題があることに気づきました。そもそもは私自身の喪失、嘆き、怒りなどの個人的な問題を曲中で扱っていましたが、私自身の変化が外の世界へ影響すること、すなわち世界の変化の始まりになることを理解したのです。この理解には時間がかかりますが、私たちが生きる時代には必要とされるものです。交響曲第2番の核心は、第2楽章の川のメタファーにあります。川の向こうへ渡るということ＝死、しかし同時に、エゴ/自己からの離れ、また深い思いやりへ変わっていくことでもあります。

皆さんは私たちが深刻で危険な時代に生きていることを知っています。私にとって、交響曲第2番はこれが事実であることを芸術的な観点から初めて認識したものでした。約60年前、アフリカの作家チヌア・アチェベは有名な小説『崩れゆく絆』を書きました。一つの生命の崩壊を描きながら、彼は私たちがバランスを取り戻すために何をすべきかについて触れました。私たちの最も深い内なる源泉に戻り、心の支えと指針を求めること。コミュニティ全体の夢をかなえるために選ばれた人として、芸術コミュニティの伝統に戻ること。芸術の価値は、私たちを夢と内なる声に連れ戻してくれ、心そのものが話すことを可能にし、他の方法ではたどり着けない答えを与えてくれることにあります。これこそが私たちが音楽を作り続ける理由なのです。

マスランカ記す(2016年1月)

Nearly thirty years have passed since the premiere of Symphony No. 2, the first of my seven symphonies for wind ensemble. In that time I have come to recognize that issues of transformation are at the heart of my work, initially my personal issues of loss, grief, and rage, then knowing that my own change is the start for some element of outward movement, for change in the world. This is a long, slow process, but it is the requirement of our time. The crux of Symphony No. 2 i s the river metaphor of the second movement: crossing over to the other side ... death, yes, but also movement away from ego/self and toward compassion.

Everyone knows that we are living in a seriously dangerous time. For me, Symphony No. 2 was my first awareness in artistic terms that this is the case. Nearly sixty years ago African writer Chinua Achebe wrote the renowned novel, Things Fall Apart. Chronicling the destruction of one life he hit upon what we must do to regain our balance: return to our deepest inner sources for sustenance and direction; return to the tradition of the art community: people selected and set apart to dream for the community as a whole. If art is worth anything it is this: it brings us back to dream time and the inner voice. It lets the heart speak, giving us answers that we cannot reach in any other way. This is why we make music.

交響曲第2番は1983年にビッグ・テン・バンド・ディレクターズ・アソシエーションから大規模な吹奏楽曲を作曲してほしいとの依頼を受けて書いたものです。この曲の初演は1987年イリノイ州エヴァンストンで開催された全米大学バンド指導者協会の大会で、ノースウエスタン大学シンフォニック・バンドとシンフォニック・ウィンド・アンサンブルによる合同バンドと指揮者ジョン・P・ペインターにより行われました。

第1楽章はソナタ形式で書かれており、中間部でクライマックスに向かって力強く進んだかと思うと、突然熱を帯びた幻想曲に変化します。その後オープニング主題のシンプルな再現と簡潔なコーダで楽章は閉じられます。この音楽は私にとって非常に私的なもので、喪失、諦め、その甘受を題材としています。

第2楽章はアフリカ系アメリカ人の霊歌《ディープ・リバー》のアレンジで開始されます。この曲の歌詞には「深い川よ、私の家はヨルダン川のさきにある　深い川よ、主よ、私は集会地に渡りたい」とあります。この楽章の作曲には2つの意味深い偶然が絡んでいます。この楽章のおおよその部分が完成し、別の作曲プロジェクトで作業している最中に《ディープ・リバー》に出会ったのですが、この歌とこの楽章はまるでお互いのために作られたかのように合致したので、私はこの歌を曲中に取り入れることに決めました。また、私がこの楽章に最後の音を書き込んだのは、スペースシャトル・チャレンジャー号の事故が起きたのとほぼ同時刻でした。私はこれらの偶然の力を非常に強く感じ、この事故で命を落とした宇宙飛行士たち、フランシス・R・スコビー、マイケル・J・スミス、ジュディス・A・レズニック、エリソン・N・オニヅカ、グレゴリー・B・ジャーヴィス、クリスタ・マコーリフにこの楽章を捧げました。

最終楽章もソナタ形式で書かれています。3つの主題が現れ楽章の3分の1以上を占める提示部、第1主題と第3主題に基づく展開部、第3主題を除いた再現部、そして簡潔なコーダがあります。この楽章に潜む衝動は熱狂と、とめどなく溢れ出るエネルギーであり、演奏者に高い演奏精度と体力の持続を要求します。

マスランカ記す

Symphony No. 2 was commissioned by the Big Ten Band Directors Association in 1983. I was asked to write a major work for full band. The Symphony was given its premiere at the 1987 CBDNA Convention in Evanston, Illinois. The performing group was the combined Symphonic Band and Symphonic Wind Ensemble of Northwestern University under the direction of John P. Paynter.

The first movement is in sonata form. It travels with gathering force to a climax area halfway through, and then dissolves suddenly into a heated fantasia. A very simple restatement of the opening theme and a brief coda finish the movement. This music is deeply personal for me, dealing with issues of loss, resignation, and acceptance.

The second movement opens with an arrangement of "Deep River," a traditional African-American melody. The words of the song read in part: "Deep River, my home is over Jordan. Deep River, Lord, I want to cross over to camp ground." The composition of this movement involved for me two meaningful coincidences. The body of the movement was completed, and then I came across Deep River while working on another project. The song and my composition fit as if made for each other, so I brought the song into the Symphony. The last notes were put onto the score of this movement almost to the hour of the space shuttle Challenger disaster. The power of these coincidences was such that I have dedicated this music to the memory of the astronauts who lost their lives: Francis R. Scobee, Michael J. Smith, Judith A. Resnick, Ellison S. Onizuka, Gregory B. Jarvis, and Christa McAuliffe.

The finale of this Symphony is once again in sonata form. There are three broad theme areas occupying more than a third of the movement, a development based primarily on themes one and three, a recapitulation (minus the third theme area) , and a brief coda. The underlying impulse of this movement is an exuberant, insistent outpouring of energy, demanding a high level of playing precision and physical endurance from the performers.